Статьи: Переводы

Пара мыслей о штудиях по работам мастеров

Рон Лемен (Ron Lemen)
Понедельник 04 декабря 2017 года.

В жизни мы растём и развиваемся, подражая другим. Мы можем копировать чью-то походку, манеру речи, характерные привычки и т.д., всё это часть того как мы учимся тому, как стать тем, кем хотим быть.

Когда студенты-художники достигают определённого этапа в своём развитии, то либо в результате своего внутреннего любопытства они будут учиться у тех, кто был до нас, или же в арт-школе, их заставят.

Очень часто, студенты не имеют какой-либо персональной цели и результат копии работы мастера обычно выглядит «как будто это сделал любитель». В худшем случае, такая копия будет показывать плохие привычки в рисовании такого студента и его недостаток знаний.

Когда я учился в художественной школе, нам также говорили делать штудии по работам мастеров. Но наш очаровательный «учитель», ошеломил нас тем, что наша копия должна выглядеть лучше оригинала. Без понимания того, что это значит, я начал делать копии работ Элвгрена (Elvgren), Роквелла (Rockwell), Фразетты (Frazetta), Саргента (Sargent), Репина (Repin), Корнуела (Cornwell) и других художников. Глядя на те штудии, их больше 50-ти, то я чувствую, что потратил зря бесчисленное количество часов на бесцельное копирование. И не смотря на то, что мои копии были неплохи в попытках подражания, то единственное чего я добился, так это того, что в моих работах лица начали походить на лица девушек Элвгрена, даже если я рисовал мужчину. Тела начинали походить на тела воинов с картин Фразетты с характерной техникой работы мазками Роквелла, хотя я  и старался делать их такими же спонтанными как у Саргента. Проще говоря, я был обескуражен и сделав такое большое количество копий, я лишь пришёл к тому, что приобрёл набор плохих привычек в рисовании.

Копирование успешных работ это способ приобщиться к мысленному процессу, техникам, решениям которые делали предыдущие поколения исторически известных художников.

Себастьян Капелла (Sebastian Capella) был прекрасным учителем, который помог мне разработать объективность в моих работах и переработать огромное число моих заблуждений в рисовании, о которых я в противном случае даже не задумался бы. Он научил меня не обращать внимания и не поддаваться влиянию тщеславных художников, которые стремились лишь к вытряхиванию денег со студентов, записывавшихся на их курсы, а не к настоящему наставничеству и обучению.
Как учитель, он дал мне чёткие цели, которые помогли мне избавиться от моих вредных привычек, усилили моё понимание и направили в нужную сторону мои усилия. Себастьян Капелла стал для меня примером учителя, который даёт ученикам всё то, что он знает сам, который не утаивает от них никаких секретов как создавать хорошие картины. Он давал мне на дом свои холсты, чтобы я мог копировать их. В первый раз, когда я принёс один из его холстов себе домой, то был очень обеспокоен тем, как бы с ним чего-нибудь не случилось. Я так и не смог сделать с него штудию, по факту, он так и остался лежать у меня в машине. У меня на руках бесценный холст, а аренда за мой дом стоит дешевле него, и я должен был делать с него штудию?
Но, в конце концов, я преодолел свои опасения и получил огромную пользу от штудий по его работам. Имея на руках оригинал и свою копию рядом, становится гораздо легче понять, что же я пытаюсь сделать. Картинки в книгах, интернете и т.д. не могут воздействовать на вас также как и оригинал, на котором вы всегда заметите множество тонкостей и нюансов, которые способен уловить лишь глаз, когда вы делаете внимательную штудию. Но, не так важно оригинал ли это или ужасная копия, есть 3 конкретных цели, которым Себастьян Капелла научил меня, когда делаешь штудии по работам мастеров:

Изучай Матрицу Дизайна Композиции

Любая композиция имеет свою конструкцию. Графический дизайн реален и нам не избежать его. Он связан со всем, в чём замешано творчество. Графический дизайн может и звучит как современный термин, но все художники использовали его, даже наши пещерные коллеги по ремеслу. Старые мастера использовали большое количество вариаций «ведущих линий», «предполагаемых линий действия», «родственных или гармоничных линейных путей», композиционных противовесов, триадических отношений и т.д. задолго до того, как появились современные дизайнеры с этим модным определением. Они также были мастерами сетки, матрицы и строения картины. Они разработали противовесный, треугольный, яйцевидный, крестообразный и другие виды дизайна, которые немедленно приводили взгляд зрителя к фокусному центру картины.
Научиться этой визуальной гармонизации, это словно научиться уверенно вести оркестр из нескольких сотен инструментов. Всегда имейте в виду, что большинство картин в церквях и соборах были заказаны в момент постройки самого здания, так что архитектор и художник вместе решали, где будет расположена картина, и разрабатывали её дизайн, так чтобы она соответствовала окружающему её пространству. «Disegno»[1] был сильным мотиватором для конечной композиции большинства картин, которые были созданы во времена итальянского ренессанса.
Заметка к архитектуре ренессанса: архитектор разрабатывал пространство для определенных доминирующих тонов, под влиянием популярных и важных песнопений того времени. Искусство, архитектура, звук, свет и скульптура, все они разрабатывались под схожими влияющими факторами, либо рассматривались как «одно и тоже» в процессе дизайна. Они строго придерживались того, что дом Бога должен быть разработан как «совершенный». Гармонизация всех форм искусства помогает создавать эту великую иллюзию, не слишком отличающейся от той же эстетики дизайна, которой придерживаются любые тематические аттракционы: впечатляющий эмпирический дизайн.

[1] Прим.пер.: Дизайн с итальянского

Это пример абстракции сделанной Бугро для одной из его работ. Это хороший план для картины без использования живописи.

Несколько моих примеров по созданию абстрактных штудий с картины, которые я выполнили гуашью и шариковой ручкой.

А здесь, пример матричного дизайна одного моего бывшего ученика Джона Неймстера (Jon Neimeister) по работе Бугро.

Изучайте Цветовые Отношения Картины

Когда мы видим редкие штудии (как правило, это серии штудий), которые мастера делали для своих самых известных картин, мы часто бываем поражены тем, какие чистые цвета они использовали и как забавно выглядела картина в таком упрощённом цветовом решении. Цветовые штудии обычно были более насыщенными версиями, с точки зрения цвета, конечной картины. Они были своеобразными сносками к цветовой палитре, которую художник хотел использовать в будущей работе.
Большинство работ предшествующих 1850-ым были выполнены в технике гризайля, с использованием подмалёвка или в технике работы слоями. Не было большого разнообразия цвета, большинство красок того времени использовались в своём чистом виде, если только к ним не примешивали другие цвета. Глазирование означало финальный этап и единственный способом достичь богатства цвета, было создание огромного количества слоёв и лессировки. В большей части великих картин используется оптическое смешивание цветов (для достижения реализма), это значит, что каждая область заполняется маленькими крапинками цвета в широком диапазоне, что часто добавляло картине «перегруженный» вид в конце.
Эти небольшие штудии в чистых оттенках без цветового смешения, так что они с графической точки зрения смотрятся более сильными. Когда мы делаем цветовые штудии работ, мы хотим сделать то же самое, найти цветовые отношения, которые использовал мастер в своей работе. Эти цветовые отношения часть того, почему работа мастеров настолько успешна – знание цветовых решений на чистом графическом уровне это ценный инструмент в упрощении структуры картины.

Цветовые композиции кисти Бугро показывают цветовой дизайн его картин.

Цветовая штудия Роквелла (Rockwell)

Цветовая штудия Дена Корнуеэла (Dean Cornwell)

Цветовая штудия Джона Беркея (John Berkey)

Цветовая штудия Фрэнка Фразетты (Frank Frazetta)

Изучайте малую часть или участок работы, чтобы научиться технике Мазка.

Если вы собираетесь прямо скопировать работу только ради изучения приёмов мастера и состава картины, то сначала научитесь технике, которую использовал мастер, чтобы затем вы могли сделать верную штудию. Или, если же вы намерены делать штудию, того что вы видите в работе мастера, то неплохо бы иметь крупный план области, которую вы собираетесь скопировать.
Сосредоточьтесь на малой области картины, обычно на том с чем вы имеете наибольшие проблемы, или с тем, что вы чаще всего рисуете, но не знаете, как правильно это контролировать. Рисование того, что вам не нужно, будет разбавлять ваш порыв, и займёт ваше драгоценное время, которое вы могли бы использовать с большей пользой.
Будьте терпеливы в процессе. Если вам необходимы слои, то используйте их, и потратьте время, чтобы сделать каждый из них должным образом, перед тем как переходить к следующему.
Не бойтесь переделывать то, что получилось непохожим на то, что вы видите. Только из-за того что вы это нарисовали, это автоматически не значит, что у вас получилось правильно и беспристрастное сравнение поможет вам определить вышло ли у вас похоже или нет.

 

Антонис Ван Дейк (Anthony Van Dyck)

Антонис Ван Дейк (Anthony Van Dyck)

Эти оба примера принадлежат кисти Антониса Ван Дейка. Посмотрите на простой дизайн, наличие лишь необходимых деталей и мягкость форм с исключительно выделяющимися бликами. Мы не смогли бы увидеть все эти детали, если бы у нас не было бы этих крупных планов участков его картины.
Есть ещё кое-что, что я хотел бы добавить в этот список, чему я научился, пока собирал работы иллюстраторов и художников для лекции, которую я проводил много лет назад, в Музее Искусства Сан Диего (San Diego Museum of Fine Art).
Имейте в виду, что я делал это имея на руках лишь книги и бледные репродукции из интернета, Google Art Projects который сейчас называется Google Arts and Culture ещё не был разработан, до хорошей цифровой фотографии ещё оставалось несколько лет и многие из моих учеников делали копии работ мастеров по этим плохеньким репродукциям. Так что мне приходилось помогать им увидеть в этих размытых изображениях работу мазком мастера.

У меня были фотографии крупным планом картин Джона Сингера Саргента (John Singer Sargent), его портретов и также крупные планы портретов выполненных чернилами Чарльза Даны Гибсона (Charles Dana Gibson). Оба этих художника в возрасте 10 лет, учились под влиянием Французской эры искусства, которая технически означает работу линией используя штриховку, перекрёстную штриховку и круговую штриховку. Что я понял, так это то, что вне зависимости от материала, в котором выполнена работа, процесс как создавалась работа, становился для ученика, в случае если у него перед глазами был графический вариант живописной картины, очевидным.  Перекрестная штриховка и чернильные рисунки живописных картин давали ему понимание конструкции и направления мазка.

Я брал отксерокопированные копии и чернильные рисунки, достаточно редкого портфолио Чарльза Даны Гибсона, с собой в несколько музеев, и все они были похожи в своей конструкции на его живописные работы, вывешенные в музее. 

Кросс-Референсные Рисунки Картин Одного Художественного Периода

Кросс-референсные[2] художники используют различные средства внутри одного художественного течения или периода и есть шансы того, что рисунки и линейная графика или гравюры того периода, будут иметь схожий технический подход, что может нам сказать как были нарисованы эти картины. Это убережёт учеников от множества печальных часов, пытаясь расшифровать картину, если они не знают, как правильно смотреть на неё и как можно разделить её на мазки, формы, изменения цвета и т.д.

Графические материалы могут не давать нам полного представления о составе картины, но они, по крайней мере, дают нам представления о финальных штрихах, которые невероятно важны для создания иллюзии физической формы на готовой картине.


[2] Прим.пер.: художники которые делают для одной своей картины несколько штудий разными материалами. Например, линейные штудии карандашом с штриховкой и цветовые акварелью. 

Если вам трудно понять технику художника, посмотрите на его чернильные рисунки и на направление штриха в них, затем посмотрите на его живописные работы и вы увидите те же самые направления мазка, что и направление штриховки в графических рисунках.
До следующего встреч! Удачи в творческом росте и наслаждайтесь путешествием в мире художественных открытий!

Ссылка на оригнал>>

2413 Автор: Перевод: Maret
Актуальность: 526
Качество: 526
Суммарный балл: 1052
Голосов: 10 оценки

Отзывы посетителей:

аватар
  vip
Moderator. 2405 0
модератор Render.ru

Цитирую griaGG:
Голосовалка ДРЯНЬ!!! Как редактировать комменты??? Вебмастера .............................

Во первых по сдержанней пожалуйста. Причем тут голосовалка? Редактирования комментарием тут никогда не было (так исторически сложилось), есть только в форуме. Если что-то нужно поправить, отправьте "сообщить модератору" на комментарий, поправят. Редактирование появится только в новом сайте, этот уже не дорабатывается.
Цитирую griaGG:
Странно, что нет комментов...
Зато мы получили целый ряд замечаний о том, что в слове студия, мы допустили ошибку и написали Штудия, особенно в ВК.
аватар
 
griaGG 1 0

Голосовалка ДРЯНЬ!!! Как редактировать комменты??? Вебмастера .............................

аватар
 
griaGG 1 0

Странно, что нет комментов...

ЭТА тема очень важна для художников и не только 2D.

Трехмерщикам к прочтению и УСВОЕНИЮ обязательна!!!

Здесь важна сама идея, так же как изучение трехмерных моделей других художников, однако лучше попробовать самому сделать копию, осмысленно и с рассужением.

В дополнение темы ссылки на работы учеников Vancouver Film School (Canada) на YT

(это не реклама ,а пинок в нужном направлении):

"An arab man and his dogs"

https://www.youtube.com/watch?v=0-2DWe17yP8

Серия с общим названием A Modeling Reel и в частности ЭТО(начало ролика):

https://www.youtube.com/watch?v=mdiUa4Nnv7c

Зарегистрируйтесь, чтобы добавить комментарий.
Эту страницу просмотрели: 2413 уникальных посетителей